12 berühmte Werke von Jeff Koons
DIE KUNSTWERKE VON JEFF KOONS
Der am 21. Januar 1955 in York geborene zeitgenössische Pop-Art-Künstler Jeff Koons studierte am Maryland Institute College of Art und der School of the Art Institute of Chicago (Fine Arts), bevor er sich Ende der 1970er Jahre in New York niederließ Seinen Lebensunterhalt verdiente er zunächst als Börsenmakler an der Wall Street.
Im Jahr 2013 wurde sein Balloon Dog (Orange) für die monumentale Rekordsumme von 58,4 Millionen US-Dollar im Auktionshaus Christie's versteigert und war damit das damals teuerste Werk eines lebenden Künstlers. Koons war stets auf der Suche nach neuen Möglichkeiten für seine Kreativität und schloss sich 2017 mit der Luxusmarke Louis Vuitton zusammen, um eine Edition von Taschen herzustellen, die mit ikonischen europäischen Gemälden bedruckt sind. Es ermöglicht die Präsentation amerikanischer Dekorationen mit besonderen Symbolen. In dieser Hinsicht ist es ziemlich einfach, Ihr Interieur zu verschönern.
Jeff Koons ist der Inbegriff des Neo-Pop , einer Bewegung der 1980er Jahre, die sich von früheren Pop-Künstlern, insbesondere Andy Warhol , inspirieren ließ. Seine Stahlskulpturen, vielleicht seine bekanntesten Werke zeitgenössischer Kunst, überführen eine flüchtige Kindheitserinnerung in eine bleibende Form. Seine Arbeit mag manchmal billig erscheinen, aber sie ist teuer: eine geniale Umkehrung der wirtschaftlichen Logik , die die Grundlage seines erstaunlichen kommerziellen Erfolgs bildet.
Anstatt den Kunstsnobismus zu beleidigen, forderte Koons führende Sammler auf, ihre Vorstellungen davon, wie Kunst aussieht, zu überdenken. Es ist eine brillante Marketingstrategie. Seine Werke erzielen auf dem Auktionsmarkt die höchsten Preise aller lebenden Künstler.
„Die Aufgabe des Künstlers besteht darin, eine Geste zu machen und den Menschen wirklich zu zeigen, was in ihnen steckt. Es geht nicht um das Objekt und nicht um das Bild; es geht um den Betrachter. Hier entsteht Kunst.“
Als Zeuge eines Wendepunkts in der Kunstgeschichte ist Koons ein neues Genie in der zeitgenössischen Kunst. Koons weicht erheblich vom modernistischen Ideal des missverstandenen Visionärs ab und ist, wie der zeitgenössische französische Künstler Pierre Huyghe oder Jean-Michel Basquiat, der Antimodernist , der Scharfsinnige, der selbsternannte Freude am Publikum und der eifrige Förderer seiner eigenen Arbeit .
Mitte der 1980er Jahre zahlte sich Koons‘ harte Arbeit aus. Seine Stücke erregten die Aufmerksamkeit der Kritiker und seine Werke erfreuten sich zunehmender Nachfrage.
Um dieser Nachfrage gerecht zu werden, gründete Koons eine Produktionsstätte im New Yorker Stadtteil SoHo und rekrutierte schnell Dutzende Assistenten, die ihn bei der Erstellung seiner Werke unterstützen sollten. Heute beschäftigt sein Produktionshaus mehr als 100 Assistenten, die in der Lage sind, Werke so zu reproduzieren, dass sie aussehen, als wären sie aus „einer Hand“ entstanden.
Die Arbeit von Jeff Koons wird aufgrund der Verwendung industrieller Methoden und der Betonung alltäglicher, beliebter Gegenstände oft als Pop-Art bezeichnet.
Die im Folgenden vorgestellten Werke sind die wichtigsten von Jeff Koons. Sie geben einen Überblick über die wichtigsten Schaffensperioden und beleuchten die größten Leistungen des Künstlers.
1. Ballonhund
Jeff Koons‘ Reproduktionen von Ballontieren gehören zu seinen bekanntesten Werken. Typischerweise aus poliertem Edelstahl in verschiedenen Farben gefertigt, spiegeln diese Werke ein Element der Kinderspiel- und Wegwerfkultur wider, das er in definitiver, konsistenter Form kreiert.
Koons hat immer vehement behauptet, dass es in seinen Werken keine verborgene Bedeutung gibt. Doch in einem Interview beschrieb er seine Ballonhundeskulpturen als „Symbol von uns“. Er behauptete, dass die Art und Weise, wie sich der Ballonhund auf die Aktion des Ein- und Ausatmens bezieht, ein zutiefst symbolisches Symbol für den menschlichen Zustand sei. Er verglich aufblasbare Tiere auch mit dem Trojanischen Pferd, das als leer und doch voller Symbole wahrgenommen wird.
Der Hund ist eines der bekanntesten und bekanntesten Tiere im Leben der Menschheit. Sie werden seit langem als Symbol für Verbundenheit und Kameradschaft zwischen Menschen verwendet. In Form eines Ballontiers ist der Hund tief mit unseren individuellen Erinnerungen an Spiel und Spaß in der Kindheit verbunden: eine Erfahrung, die sowohl kollektiv als auch zutiefst persönlich ist. Ballontiere werden am häufigsten auf privaten Partys oder Jahrmärkten verteilt und sind ein wegwerfbares Symbol unserer materialistischen Jugend und unserer Faszination für temporäre Skulpturen und Symbole.
Die emotionale Reaktion, die viele von uns auf ein Objekt haben, das uns so lebhaft an die Magie und den Charme der Kindheit erinnert, ist spürbar. Ein Gefühl, das seltsamerweise im Widerspruch zum scheinbaren Diskurs über den Kapitalismus und die Kommerzialisierung der Kunst in den Werken von Jeff Koons steht.
Neben den kleineren Balloon Dogs-Skulpturen ist Koons auch dafür bekannt, eine riesige 10-Fuß-Version des Werks zu schaffen, die unsere kindlichen Sentimentalitäten groß schreibt und unsere Erinnerungen in den Schatten stellt. Auch die feste, metallische Oberfläche von Koons‘ Ballonhunden scheint unseren Erwartungen und Erinnerungen zu trotzen, indem sie mit der Form spielt und unser eigenes Spiegelbild einfängt, wenn wir innehalten, um sie zu studieren.
Koons' Ballonhund appelliert an unsere Erinnerungen und Gefühle. Er stellt die seltsam vertraute und verlässliche Form eines Partygeschenks dar, eine lustige Darstellung unseres engen tierischen Begleiters, unterwandert aber irgendwie die andere Form, um sie sofort unvertraut und unbestreitbar kommerziell und grob zu machen.
2. Kaninchen
Im Jahr 1979 schuf Jeff Koons „Inflatable Flower and Bunny“ (Tall White, Pink Bunny), das die Inspiration für einen Großteil seiner zukünftigen Arbeiten darstellte. Diese Skulptur, ebenfalls Teil der Sammlung von The Broad, besteht aus zwei aufblasbaren Vinylspielzeugen, einer Blume und einem rosa Hasen, die auf und vor vier quadratischen Spiegeln ruhen.
Sieben Jahre später, 1986, verzichtete Koons auf die Blume, vermischte den Spiegel mit dem Kaninchen und schuf „Rabbit“ .
Der Übergang vom Wort „Bunny“ (kleines Kaninchen, kindisch) zum Wort „Rabbit“ ist faszinierend. Bunny ist süß und weich; Kaninchen ist schnell und lebhaft. Die Karotte in der Pfote des Kaninchens wird als Waffe geschwungen, und die einst weiche, wasserdichte und billige Vinylhülle des Kaninchens wurde durch eine teure Panzerung aus rostfreiem Stahl ersetzt, die alles um Kaninchen herum widerspiegelt und jede Anspielung auf das Innere der Skulptur ablenkt.
3. Welpe
Seit der Eröffnung des Guggenheim-Museums in Bilbao im Jahr 1997 bewacht ein Wachhund namens Puppy seine Tore mit einem wechselnden Fell aus Zehntausenden Blumen. Immer auf der Hut empfängt dieser Terrier, ein „kleiner“ schottischer Hund mit weißem Fell, 12,40 Meter groß und rund 16 Tonnen schwer, seit fast zwei Jahrzehnten Besucher.
Egal, ob es regnet oder windet, in seinem Fell blühen Gedanken an den Winter auf, oder gar morgens taucht niemand auf, um sein Foto zu machen. Er wartet geduldig vor den Toren der Kultur darauf, dass jemand kommt und neben ihm ein Foto macht. Touristen in der Stadt und im Museum halten sich nicht zurück und rennen auf die Statue zu, um ein Selfie zu machen. Und wenn man bedenkt, dass Puppy zunächst mit einer Katze verwechselt wurde! Manche nähern sich seiner Basis und berühren sein mit Blumen bedecktes Fell, da Puppy keinen Zaun hat, der ihn vor der großen Zuneigung der Besucher schützt.
Puppy wurde von einer kleinen Holzskulptur eines Terriers inspiriert, die Jeff Koons 1991 schuf. Obwohl das Originalwerk nur 52 cm groß war, entschied sich Koons für den Terrier, weil er der Meinung war, dass er unabhängig von seiner Größe entwaffnend und nicht bedrohlich sein würde. Mit 12,40 Metern Höhe, 55 Tonnen Erde und 60.000 Blütenpflanzen war die 1996er Version 2.0 von Puppy alles andere als klein.
Obwohl Puppy als Symbol für Liebe und Glück geschaffen wurde, ist er in Koons' Diskurs als spätkapitalistischer Exzess fest verankert.
4. Tulpen
Tulips, das Werk von Jeff Koons, wurde in York, Pennsylvania, geschaffen. Es stellt einen Strauß aus 7 etwa 5 Meter langen Tulpen in Form großer leuchtender Ballons dar, die den Eindruck von Schwerelosigkeit erwecken. Es ist im hinteren Teil des Guggenheim-Museums Bilbao ausgestellt.
Jeff Koons‘ monumentale Tulpen überragen den Betrachter in einem Glanz vielfarbiger Pracht, wobei jede Farbe spektakulär von der anderen reflektiert und reflektiert wird, um einen intensiven Regenbogeneffekt zu erzeugen. Sie markieren den technischen Höhepunkt seiner Celebration- Serie.
In diesem zeitlosen skulpturalen Meisterwerk hat Jeff Koons die einfache temporäre Natur einer kleinen, leichten, ballonförmigen Skulptur, die in Sekundenschnelle geschaffen wurde, auf einen XXL-Maßstab vergrößert. Es ist eine bezaubernde Skulptur, die die Illusion freudiger Schwerelosigkeit vermittelt, aber paradoxerweise schwer ist, da sie aus über drei Tonnen sorgfältig geformtem Edelstahl besteht. Es handelt sich um eine multivalente Skulptur, die auf vielen Ebenen wirkt, von der einfachen, direkt fesselnden visuellen Schönheit des Objekts und seiner beeindruckenden Größe bis hin zur revolutionären Komplexität seiner Herstellung und den tiefgreifenden konzeptionellen Themen, die sich unter seiner scheinbar makellosen Oberfläche verbergen.
Die Celebration -Serie entstand aus Koons Wunsch, die tiefgreifenden Erfahrungen eines Kindes nachzubilden, das die Welt in ihrer größten Leichtigkeit genießt. Koons schuf Formen, die an die Skulpturen von Constantin Brancusi sowie an Kinderspielzeug erinnern, und schöpfte aus dem Kanon der Kunstgeschichte, indem er Blumen als Thema für dieses kolossale Stillleben nahm und die Ideen des Memento Mori sowie Romantik und Schönheit einführte. Blumen sind ein roter Faden durch Koons‘ gesamte Karriere, sie tauchen bereits 1979 in seinen „Inflatables“ auf und wurden 1991 in seiner Serie „Made in Heaven“ vorgestellt, in der er ihre sexuelle Natur betonte.
Tulips markiert den skulpturalen Höhepunkt dieses Themas und der mittlerweile legendären Celebration- Serie von Koons. Es wurde in einer Auflage von fünf Versionen erstellt, jede mit einer einzigartigen Anordnung von Blumenfarben. Die restlichen Exemplare befinden sich in führenden Sammlungen: Eines wurde 2008 bei der Eröffnung des Broad Contemporary Art Museum im Los Angeles County Museum of Art präsentiert, andere befinden sich im Guggenheim Bilbao, der Prada Foundation und der Viktor Pinchuk Foundation; Eine Kopie wurde ebenfalls zur Ausstellung in China angefertigt und ist für zehn Jahre als Leihgabe an die US-Botschaft in Peking ausgeliehen.
5. Hulk-Orgel
In einem kürzlich abgeschlossenen Projekt schuf Koons 2004 seine Hulk-Skulptur (Orgel), für die Orgelkomponenten angefertigt wurden. Der Klang von Pfeifen, die auf voll funktionsfähigen Orgeltastaturen gespielt werden können, ähnelt dem männlichen Erscheinungsbild von Hulk mit einem starken und kraftvollen Ton. Koons sagte: „Es ist ein hoher Testosteronspiegel. Es ist wirklich sehr, sehr stark.“
Koons wollte den Kontrast von Testosteron und Männlichkeit erforschen, den Hulk darstellt, wenn er mit neutralen oder weiblichen Symbolen gepaart wird, wodurch das Binäre sozusagen neutralisiert wird. Dieses Werk ist Teil einer größeren Serie, die Koons „Hulk Elvis“ nennt und in der jedes Stück einen riesigen Hulk wie diesen zeigt, bestückt mit Spielzeug, einer Schubkarre mit lebenden Blumen oder der Freiheitsglocke.
Zusätzlich zu seiner Erforschung von Geschlechternormen glaubt Koons, dass Hulk (Orgel) sowohl die westliche Comic-Kultur als auch östliche Schutzgötter repräsentiert. Er sagte: „Sie sind als Beschützer da, aber gleichzeitig können sie sehr, sehr gewalttätig werden …“
6. Neue Hoover-Cabriolets in Grün, Blau – Doppeldecker
Neue Hoover-Cabriolets Grün, Blau – Doppeldecker (Jeff Koons, 1981-1987)
Im Werk von Koons ist der Staubsauger ein wichtiges und wiederkehrendes Symbol. In Gesprächen über ihn machte er auf seine anthropomorphen und androgynen Eigenschaften aufmerksam, fast als wäre er eine totemistische Figur. „Es ist eine Atemmaschine“, sagte er, „die männliche und weibliche Sexualität zeigt. Sie hat phallische Öffnungen und Anhänge.“
In der Serie „The New“ erinnert Koons an Amerikas Fetisch für neue und reine Konsumgüter sowie an deren Verhältnis zu Vorstellungen von Sexualität, Unschuld und Sauberkeit. Hier werden vier handelsübliche Staubsauger, untergebracht in einer monolithischen Vitrine aus Plexiglas, von unten mit Leuchtstofflampen beleuchtet.
Die Kategorisierung neuer Hoover-Cabriolets als Kunst verwandelt die Verkaufspräsentation in einen Zufluchtsort für den Handel. Als „Kunst“ bringt sie eine Vielzahl wundersamer Tatsachen zum Ausdruck, die von Künstlern dargestellt werden, von der Auferstehung des Lazarus bis zur Auferstehung Christi. Es erinnert uns daran, wie das moderne Leben durch lebende „Atemmaschinen“ verändert wurde.
Ob Koons diesen Wandel feiert oder verurteilt, ist eine offene Frage. Koons‘ Fähigkeit, den Puls dieser moralischen Ambiguitäten zu spüren, ohne dem Betrachter zu sagen, was er denken soll, ist vielleicht seine größte Stärke als Künstler .
Staubsauger, Plexiglas und Leuchtstofflampen – Das Whitney Museum of American Art, New York
7. Jim Beam – JB Turner Train
Jim Beam – JB Turner Train (Jeff Koons, 1986)
Jim Beam: JB Turner Train wurde 1986 fertiggestellt und ist eines der Schlüsselwerke in Koons‘ Serie „Luxury and Degradation“, in der der Künstler versuchte, einen „falschen Luxus“ zu schaffen, wie er es ausdrückte, der „visuell berauschend, verwirrend“ war Anzeichen von Erfolg, die aber tatsächlich zu Erniedrigung führen.
Alkohol, das ultimative Symbol für diese Art von bedrohlichem Luxus , ist die Substanz, die dieser fast drei Meter lange Miniaturzug aus poliertem Stahl hervorhebt und mit Jim Beam-Whisky gefüllt ist. Obwohl ein uninformierter Betrachter vernünftigerweise annehmen könnte, dass der Whisky ersetzbar sei, behauptete Koons, dass der Konsum des Inhalts dieses Werks das Kunstwerk zerstören würde .
Indem er darauf bestand, dass Whisky ein unersetzlicher Bestandteil des Kunstwerks sei, präsentierte Koons seinem Publikum im Grunde die Definition eines Readymades: ein Alltagsgegenstand (oder in diesem Fall eine Substanz), der als Kunst präsentiert wird, der aber nur so lange Kunst bleiben kann da es nutzlos ist. Die Aussage von Koons impliziert auch, dass sich dieser Whisky von anderen unterscheidet, was uns schnell zu religiösen Vergleichen führt.
Andere Werke in dieser Ausstellung, mit Alkohol gefüllte Edelstahlvasen, begleitet von mit Alkoholwerbung bedruckten Leinwänden, verleiten uns zum Trinken und verzögern unsere Zufriedenheit für immer. Ihr Ziel ist es, die Spannung zu vermitteln, die Luxus erzeugt , seine Verschmelzung mit Freizeit und Flucht, aber auch seine Beziehung zu Missbrauch und Degeneration.
Edelstahl ( Edelstahl, Bourbon) – Privatsammlung
8. Hennessy, Die zivilisierte Art, das Gesetz festzulegen
Hennessy, Die zivilisierte Art, das Gesetz festzulegen (Jeff Koons, 1986)
Bei diesem Werk handelt es sich um eine unveränderte Neuauflage einer Werbung für Hennessy Cognac . Durch die Anzeige dieser Anzeige in einer Galerie wird sie einer genaueren Prüfung unterzogen, die das Unternehmen nicht wünscht.
Ein elegantes afroamerikanisches Paar entspannt sich in einer wunderschön eingerichteten Wohnung. Die Uhr zeigt kurz nach 2 Uhr morgens, und der Mann schaut von seinen Gesetzbüchern auf, nimmt seine Brille ab und lächelt seine schöne Frau an. Sie trägt seine Strickjacke und wirbt kokett um ihn, indem sie ihm ein Glas Hennessy reicht, um ihn daran zu erinnern, dass es Zeit ist, ins Bett zu gehen . „ Hennessy, The Civilized Way to Lay Down Law “, eine Bildunterschrift, die typisch für die vielschichtige Symbolik der Werbebranche ist, begleitet das Bild.
Koons‘ Inspiration für die Serie, die dieses Werk und Jim Beam umfasst: JB Turner Train (1986), kam ihm, als er in New York mit der U-Bahn fuhr. Während dieser Zeit studierte er „das gesamte Spektrum der Werbung“ von „der niedrigsten wirtschaftlichen Basis aus“. bis zum Höchsten“ und beobachtete, „wie sich das Niveau der visuellen Abstraktion [ veränderte ], als würden sie die Abstraktion nutzen, um dich abzuwerten …“
Die Arbeit wurde neben Koons Edelstahlzügen mit Alkohol und anderen Nachdrucken von Alkoholwerbung aus seiner Serie „Luxury and Degradation“ ausgestellt. Die Symbole für Status , Streben und Reichtum werden hier sorgfältig ausgearbeitet, um auf die Unsicherheiten einer Minderheitengemeinschaft einzugehen, die besonders anfällig für Alkoholismus ist.
Während das Bild eine positive Wahrnehmung von Minderheiten verstärkt, haben die Worte vielfältige Assoziationen, von denen einige ausgesprochen negativ sind. Der Ausdruck „das Gesetz festlegen“ bedeutet , in verbindlicher Weise Anweisungen zu erteilen, und wird häufig zur Beschreibung von Ehepartnern verwendet, die Grenzwerte für den Alkoholkonsum festlegen.
Während Koons‘ Absicht eindeutig darin besteht, uns aus erster Hand einen Einblick in die manipulative Psychologie der Werbung zu geben, unternimmt er keine Anstalten, einzugreifen oder die Kernbotschaften dieser Arbeit zu korrigieren. Hier behält er eine Mehrdeutigkeit bei, die Teil seiner Anziehungskraft auf ein anspruchsvolles künstlerisches Publikum wäre.
Öltinten auf Leinwand – Privatsammlung
9. Michael Jackson und Bubbles
Michael Jackson und Bubbles (Jeff Koons, 1988)
„Michael Jackson and Bubbles“ ist vielleicht der ultimative Ausdruck von Koons‘ anhaltendem Interesse , sich den Konventionen des guten Geschmacks zu widersetzen . Im Gegensatz zu seiner Neuinterpretation der Cognac-Werbung gibt es hier keine offensichtliche moralisierende Botschaft oder Ironie, wie man sie von einem Künstler wie Claes Oldenburg erwarten würde.
Diese kunstvolle, etwas überlebensgroße Porzellanskulptur basiert auf einem Foto des Popstars und ihres Haustieraffen Bubbles. Sein greller Charme ist ein dreister Angriff auf die raffinierten Sensibilitäten von Insidern der Kunstwelt. Andererseits ist Gold seit dem Mittelalter ein Material, das mit der christlichen Ikonographie in Verbindung gebracht wird.
Im Einklang mit Koons‘ Herangehensweise an so alltägliche Formen wie den Staubsauger rekonstruiert er Jackson als religiöse Ikone , beschwört den Berühmtheitskult in der Popkultur und erinnert uns an die Opfer, die Einzelpersonen bringen mussten, um ihren Berühmtheitsstatus aufrechtzuerhalten.
Die tadellose Ausführung – vergleichbar mit der eines Renaissance-Meisterwerks – und die imposante Größe dieser Skulptur unterstreichen den Mangel an humorvoller Absicht . Koons fordert uns praktisch auf, Michael Jackson und Bubbles als ein aufrichtiges und bedeutungsvolles Kunstwerk zu betrachten.
Porzellan – San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco
10. Im Himmel hergestellt
Im Himmel gemacht (Jeff Koons, 1989)
„Made in Heaven“, eine Serie großformatiger Fotografien, die Koons in verschiedenen sexuell eindeutigen Posen mit seiner Partnerin (dem italienischen Pornostar und zukünftigen Ehefrau Ilona Staller) zeigen, bleibt die kontrastreichste und umstrittenste Serie des Künstlers. Die Ausstellung, die 1991 in der Sonnabend Gallery uraufgeführt wurde, enthielt dieses Plakat, das für einen Spielfilm wirbt, den Koons mit „La Cicciolina“ (Stallers Künstlername) produzieren wollte. Ein Projekt, das nie realisiert wurde.
Sogar Kritiker, die sein Werk zuvor geliebt hatten, versuchten, sich von dem Werk zu distanzieren, was nahezu allgemeine Ablehnung hervorrief.
Während andere Künstler, von Carolee Schneeman bis Vito Acconci, sich selbst in sexuell eindeutigen Handlungen inszenierten und die Posen in Koons‘ Werken Gemälde bekannter alter Meister zitierten, war die allgemeine Meinung, dass Koons, indem er sich selbst als Pornostar (und Seine Frau, die in diesen Bildern wirklich eine war, hatte die Grenzen des guten Geschmacks überschritten .
Genau das war das angestrebte Ziel . Made in Heaven setzt eine Argumentation fort, die viel früher in seinem Werk beginnt, und wirft die Frage auf: Wenn ein Poster und ein Staubsauger Kunst darstellen können, warum dann nicht auch nicht jugendfreie Bilder?
>Lithographie-Plakatwand – Privatsammlung
11. Ballonblume
Ballonblume (Jeff Koons, 1995-1999)
Koons bisher bekannteste Werke sind die hoch aufragenden Skulpturen, die von Ballontieren inspiriert sind. Es ist mehr als drei Meter hoch und wiegt mehr als eine Tonne. Ihre üppige Haut soll laut der Künstlerin „manipulieren und verführen“, wie die barocke Ausstattung christlicher Kathedralen.
Wie das glänzende, billige Gummi, das es imitieren soll, erinnert auch die Oberfläche der Balloon Flower an die ewige Anziehungskraft von Edelmetall . Da es sich tatsächlich um Metall handelt, laden seine makellose, spiegelnde Oberfläche und seine perfekt verdeckten Verbindungen dazu ein, die absolute Symmetrie und Perfektion der Objekte zu bestaunen. Aus der Nähe jedoch verschwimmt die Gesamtkomposition und der Betrachter wird mit seinem eigenen verzerrten und unvollkommenen Bild konfrontiert.
Koons bemerkte einmal, dass er glaubte, Werke wie der sehr ähnliche Balloon Dog seien „ein sehr optimistisches Stück, es ist ein Ballon, den vielleicht ein Clown auf einer Geburtstagsfeier für Sie drehen würde. Aber gleichzeitig ist es ein Trojanisches Pferd. Es gibt.“ andere Dinge hier, die drinnen sind: vielleicht die Sexualität des Stückes.
Das Werk erinnert an den ungezügelten Optimismus und das Staunen der Kindheit und fungiert gleichzeitig als Memento mori dieses naiven Entwicklungszustands, der im Erwachsenenalter von der Lust auf Luxus und Schönheit abgelöst wurde.
Die Idee, dass der Handel die neue Religion ist , ist in vielerlei Hinsicht der Schlüssel zu Koons' Arbeit. In Anlehnung an Duchamp und Warhol nutzt er eine religiöse Ikonographie (insbesondere die katholische), die der Geschichte der westlichen Kunst entlehnt ist.
Hochglanzpolierter Edelstahl mit transparenter Farbbeschichtung – Foto des kleinen Parks vor dem 7 World Trade Center in New York City.
12. Play-Doh
Play-Doh (Jeff Koons, 1994-2014)
Für Generationen von Erwachsenen, von den Babyboomern bis zu den Millennials, ist der bloße Anblick von Play-Doh nostalgisch , da er den Geruch und die taktile Anziehungskraft dieser seltsamen, aber beruhigenden synthetischen Substanz hervorruft.
Rendering of Play-Doh wurde erstmals während Koons' Retrospektivausstellung 2014 im Whitney Museum of American Art in New York vorgestellt und ist der Höhepunkt von zwei Jahrzehnten der Planung und Ausführung . Die meisten von uns (Künstler und Nicht-Künstler) haben ihre ersten Skulpturen aus Play-Doh gemacht. Es gibt also ein humorvolles und selbstreferenzielles Element in diesem Werk eines der berühmtesten Bildhauer der Welt, das wieder bei Null anfängt.
Die scheinbare Einfachheit des Werkes täuscht jedoch. Was wie zufällig zusammengesetzte Play-Doh-Reste aussieht, wurde sorgfältig aus Polyethylen hergestellt und schließlich aus 27 zusammenpassenden Teilen lackierten Aluminiums zusammengesetzt.
Wie der Ballonhund ist er fast drei Meter hoch und verwandelt ein vergängliches, wegwerfbares Kindheitsthema in ein Denkmal , das bereit ist, die Zeit zu überdauern.
Polychromiertes Aluminium – Bill Bell Collection
JEFF KOONS, STAR DES MARKTES MODERNER UND ZEITGENÖSSISCHER KUNST
Je mehr die Jahre vergehen, desto mehr etabliert sich Jeff Koons als einer der zeitgenössischen Kunstkünstler, die alles können. Eines seiner neuesten Werke ist eine Bildcollage mit dem Ziel einer Hommage an Picasso, in der er Bilder einer römischen Aphrodite, einer Skulptur aus Papua-Neuguinea sowie Venus und Adonis kombiniert.
Eine Liste mit Ausstellungen zeitgenössischer Kunstwerke des Künstlers, die Galerien und Museen füllt, ist über diesen Link verfügbar.
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